**For our English readers: The English version of the interview is available below. Please scroll down the page.**
Mentre la critica britannica si interroga sulla saturazione di una nuova ondata shoegaze, da Brighton emerge il progetto solista Sea of Days, dietro cui si cela il polistrumentista e autore britannico Shane Speed. Un progetto, quello di Speed, nato ufficialmente nel 2022, dopo una severa diagnosi cardiaca che lo aveva temporaneamente allontanato dalla musica. Da lì nasce un percorso discografico unico, che fonde il cantautorato alle trame eteree dello shoegaze, con forti influenze di matrice anni Novanta. Lui stesso definisce su Bandcamp la propria musica come qualcosa che “fonde il peso emotivo dei The National con le sonorità che riecheggiano i Cure, il post-rock e lo shoegaze, dando vita a canzoni che riconoscono l’oscurità ma restano sempre piene di speranza.
A due anni di distanza dagli EP dedicati ai quattro elementi della natura, e uno dal capitolo Wound, Sea of Days ritorna con Traces, il nuovo album pubblicato ad aprile per Shore Dive Records. Il disco è una profonda elaborazione dei traumi del passato, della malattia e del lutto. Ma occhio, qui Speed non intende scivolare nel vittimismo: piuttosto, le dieci tracce sono pensate come un ideale viaggio terapeutico che accompagna l’ascoltatore verso un finale di rinascita. Abbiamo parlato con Shane Speed della genesi di questo suo nuovo lavoro, tra l’altro piacevolmente influenzato dalla costa di Brighton. Nel frattempo, vi consigliamo di recuperare il resto della sua discografia, che potete trovare cliccando qui, o dalle anteprime Spotify scorrendo l’intervista.
Shane Speed (Sea of Days) – Intervista
Iniziamo da Brighton, la città in cui scrivi e crei. Per molti artisti essa è luogo di fuga, al confine tra la terra e il mare. Quanto la costa inglese influenza il suono oceanico dei Sea of Days e quanto di Brighton è presente nel DNA di Traces?
Sono originario delle Midlands inglesi, una zona industriale molto lontana dal mare. Proprio per questo il mare è sempre stato visto come qualcosa di magico: il posto dove fuggire, trascorrere le vacanze in famiglia.. un posto felice, ecco. Più avanti nella vita, quando ho avuto la possibilità di ricominciare da capo, ho capito subito che volevo vivere vicino al mare. Non ero mai stato a Brighton prima, ma mi sembrava il luogo giusto da cui ripartire dopo la fine di una relazione.
Mia figlia frequenta lezioni di danza in un posto vicino la spiaggia e spesso, quando devo aspettarla, passo molto tempo seduto sul lungomare. È lì che nascono molte idee: che siano frammenti di melodie o testi che scrivo al volo sul telefono. Nel mare tutto rallenta e la mente si libera, proprio come con la meditazione. Vivendo qui tutto l’anno, percepisco molto i ritmi e i mutamenti della natura. Questo influenza profondamente il mio modo di scrivere e credo proprio che le mie canzoni suonerebbero molto diverse se vivessi da un’altra parte.
Traces affronta il tema della morte e del lutto, ma non è mai un disco banalmente etichettabile come triste. Ad esempio, paragonandolo al precedente Wound, qui sembra che tu sia diventato più disilluso e diretto, oltre che più consapevole. Quale esigenza ti ha spinto a una visione così oscura per il nuovo album?
Wound era un disco nato da alcune esperienze legate alla diagnosi di un problema al cuore e alla conseguente operazione che mi ha permesso di correggere il battito irregolare.
Sono due le cose che hanno influenzato il passaggio a un album più oscuro caratterialmente: sicuramente Wound mi ha dato molta fiducia come autore, permettendomi di ampliare la visuale e affrontare temi più complessi che prima non mi sentivo di affrontare da nuovo arrivato nel mondo della musica. Poi però mi sono ammalato di polmonite e ho anche avuto un’embolia polmonare: avevo spesso il fiato corto o giramenti di testa, e il mio cuore ha dovuto lavorare molto più duramente. Come conseguenza ho sentito una certa urgenza nel dover completare le canzoni nel più breve tempo possibile. Ed infatti, se ci fate caso, i brani sono diventati un po’ più brevi e diretti, mentre musicalmente sono anche un po’ più pesanti.
Terminata la parte strumentale del disco, ho dovuto aspettare un po’ prima di passare al canto, viste le condizioni di salute. Insomma, alla fine è diventato un album guidato dalla necessità di finirlo prima che la mia salute peggiorasse ulteriormente.
Come progetto Sea of Days, il sound è ormai abbastanza riconoscibile: chitarre sature di reverbero, atmosfere un po’ oniriche.. insomma evidenti influenze in stile Slowdive o Neil Halstead. Secondo te si può bilanciare la nostalgia di un genere come questo, nato tra l’altro proprio in Inghilterra negli anni Novanta, con l’esigenza di raccontare qualcosa di più personale o con qualcosa di contemporaneo?
Prima di tutto grazie per aver citato gli Slowdive. Le mie influenze musicali in effetti arrivano proprio dalla scena shoegaze degli anni ’90: oltre agli Slowdive, direi Ride, Kitchens of Distinction e soprattutto i Cocteau Twins, che sono i miei preferiti. Più o meno tutti loro hanno influenzato il modo in cui utilizzo chitarre e basso nel progetto Sea of Days.
In realtà non ho mai cercato di suonare esattamente come queste band, non voglio imitarli. Ma quel sound così pieno di riverbero è sicuramente quello che mi viene più naturale per amalgamare i testi più dark con la sensazione finale di leggerezza. Ultimamente poi, un sacco di persone mi ha detto che queste influenze sono sì riconoscibili, ma che ormai è anche vero che esiste un “suono alla Sea of Days”. E questo per me è un complimento enorme.
Ecco, dall’oscurità dei testi alla leggerezza complessiva: ascoltando i tuoi brani, si ha spesso la sensazione di una malinconia di fondo che però finisce sempre per aprirsi alla luce, senza autocommiserazione. C’è nella tua musica un sottotesto di speranza?
La cosa strana è che nella vita sono una persona molto positiva, eppure quando rileggo i miei testi mi rendo conto che nei temi e nei contenuti sono piuttosto cupo. In un certo senso scrivere canzoni è la mia terapia: così affronto ombre e demoni interiori. Senza farne un dramma. Cerco sempre di lasciare spazio alla speranza, che provo a inserire direttamente nei testi oppure nella struttura complessiva di un disco, creando un arco narrativo che conduca verso la luce finale. Non è un caso che Traces si concluda con Sunrise e Pride, che sono due brani ottimisti.
E sempre in ambito di influenze, nel tuo futuro musicale ti sentiresti aperto a nuovi sound, magari allontanandoti dallo shoegaze più classico?
Bella domanda, ed è qualcosa su cui ho già riflettuto molto. Ultimamente ascolto un sacco di cantautorato, ad esempio Wilco e Go-Betweens, e questo mi fa capire quanto nella realtà sia poi importante la qualità della scrittura di una canzone. Ho un modo di scrivere che fa sì che i miei brani possano funzionare anche in versione acustica. Magari quella è una strada che potrei esplorare meglio (tra l’altro, ho già ri-arrangiato alcuni miei pezzi in un formato più “spoglio” per una release esclusiva su Bandcamp e sono rimasto molto soddisfatto del risultato).
Rispondendo alla tua domanda, non credo che il suono cambierà in senso radicale rispetto a quello di ora. Però, dato che in Traces ci sono momenti più rock, magari il prossimo album potrebbe essere più sognante e potrebbe anche essere più lungo, magari con qualche intro ambient.. per capirci, come in City Shroud o in Wound Poem.
Leggendo i testi delle tue nuove dieci canzoni, ho notato che parli della memoria come qualcosa di “pericoloso”: ad esempio lo fai nel brano di apertura, Blackouts. Questa secondo te è un’autodifesa necessaria per sopravvivere al presente? O credi davvero che per andare avanti serva un oblio selettivo del passato?
La canzone di apertura parla di un periodo della mia vita precedente al trasferimento a Brighton: il mio matrimonio era finito e stavo bevendo quantità estreme di alcol. Ed infatti i “blackout” di cui parlo erano gli episodi della mia realtà: mi capitava di svegliarmi in luoghi sconosciuti senza ricordare cosa avessi fatto o come ci fossi arrivato. L’incidente di cui parlo a un certo punto del brano mi è accaduto veramente, con la mia auto. Lì ho avuto una presa di coscienza, ed ho capito che qualcosa nella mia vita doveva cambiare.
Ho dovuto reagire, innanzitutto tagliando fuori l’alcol dalla mia vita. Ma ho anche cercato di mettere via quel periodo, quasi chiudendolo in un cassetto mentale. Per un po’ ha funzionato, ma ovviamente le “tracce” dei ricordi repressi possono sempre riemergere da un momento all’altro: scrivere questa canzone è stato per me un modo per fare i conti con il passato, ma anche per essere onesto con me stesso e riconoscere cose che avevo tenute represse per tantissimo tempo.
Tutto l’album in generale, come dicevamo, affronta temi profondi: in Theatre parli del distacco meccanico e freddo che avviene in ospedale con la morte di un paziente, ma anche di orrore naturale di fronte alla morte (in Rat and Crow). È questo il sottotesto del disco: interrogarsi su ciò che davvero definiamo “naturale”, persino nella morte? Si percepisce una profonda connessione con la natura, nel senso di “fare parte di un unico organismo”. E questo tema torna, dalla murmurazione degli storni in Darken the Skies – se vogliamo, la risposta alla solitudine urbana di Wound – ai quattro EP che simboleggiano gli elementi…
La natura è ciò che plasma il mio modo di vedere il mondo. Se devo farla breve, non sono religioso in senso tradizionale, ma credo ovviamente che tutte le cose siano connesse. I cicli naturali influenzano profondamente tutto il creato, compresi noi esseri umani, e quando guardo l’immensità del cielo o l’oceano sento davvero di far parte di qualcosa di più grande. Allo stesso tempo però, sono molto consapevole del fatto che nel mondo naturale esista anche un’oscurità necessaria, ed è proprio questo il tema di Rat and Crow: la morte è parte di un ciclo naturale infinito.
Darken The Skies lo ritengo un brano interessante perché in realtà ho sempre avuto paura degli uccelli, ma osservare la bellezza delle murmurazioni degli storni e il modo in cui si muovono insieme con così tanta fluidità mi ha aiutato a superare questa paura. Invece, Theatre nasce proprio da ciò che ho vissuto in prima persona nel reparto dell’ospedale dedicato ai pazienti cardiaci. Alcuni di noi ce l’hanno fatta, altri no, e questo ti rende estremamente consapevole della fragilità della vita e di quanto sia importante inseguire i propri sogni finché si è ancora qui.
Parliamo ora della copertina dell’album: anche in questo caso hai scelto un artwork simbolico. Qui ci sono linee che guidano lo sguardo ad osservare un uomo che cade, e i colori utilizzati sono decisamente più tenui rispetto al tuo primo album: un contrasto quindi, pensando all’estetica più luminosa e vivida di Wound, dove al contrario dominava un senso di ascensione verso il cielo. Puoi raccontarci qualcosa in merito alle due copertine?
Sì: avevo visto il dipinto degli uccelli in ascesa realizzato da una mia amica artista, Rachel Benjamin, e le avevo subito chiesto se potevo usarlo per la copertina di Wound, perché mi sembrava rappresentasse perfettamente la positività che volevo trasmettere con quel disco.
Quando poi è arrivato il momento di Traces, volevo di nuovo che fosse Rachel a occuparsi dell’artwork, ma questa volta ho preferito fare un passo indietro e lasciarle completa libertà creativa. Ascoltando qualche demo, lei ha dato forma a questa immagine che ora fa da copertina. E l’ho trovata immediatamente perfetta. La figura in caduta di cui parlavi è circondata da “mostri” che rappresentano le tracce del passato che riaffiorano.
A un certo punto poi citi anche Rumi: “La ferita è il luogo da cui entra la luce”. In Underfoot parli del suicidio di tuo nonno come di un debito generazionale. Scrivere questi testi ti ha aiutato almeno in parte a liberarti di quel dolore?
Per me scrivere testi vuol dire essere onesti. Emozioni come amore, perdita e dolore finiscono inevitabilmente dentro le canzoni. Anche se i testi sono alla fine molto personali, mi ha sorpreso vedere quante persone si sono riconosciute attraverso quelle parole. E curiosamente mi trovo più a mio agio a scrivere di temi più cupi, che a scrivere canzoni d’amore.
Credo proprio che il songwriting sia qualcosa di terapeutico. Underfoot è stata una canzone estremamente difficile da scrivere, proprio per quanto fosse personale. Ci ho messo una vita intera per sentirmi abbastanza a mio agio da poterla finalmente affrontare.
Poi c’è la presenza di Maud Anyways in Pride – che prosegue una collab già iniziata nel disco precedente – che sembra rafforzare l’idea già presente nel brano di una guarigione che non avvenga mai completamente da soli. Ribalti il concetto di orgoglio in amore per sé stessi: è stato necessario perdonarti per riuscire a chiudere questo percorso musicale?
Ritengo molto interessanti le forme di collaborazione. Per molti versi, credo di essere una persona estremamente puntigliosa, ed è per questo anche che faccio quasi tutto da solo nei miei dischi, fatta eccezione per Maud, appunto. Maud sembra comprendere perfettamente la visione del progetto. Sa sempre cosa va fatto per valorizzare al meglio un brano. Le sarò per sempre grato.
Pride parla molto dell’amore per sé stessi, ma per me questo è stato possibile solo grazie all’amore della mia famiglia e al loro sostegno. In un certo senso, la persona che sono oggi è il risultato del loro amore e della libertà che mi hanno dato affinché seguissi il mio percorso musicale.
Ultimamente, sto pensando parecchio a coinvolgere altre vocalist nel prossimo disco, credo che in alcuni brani sia una cosa che funzioni veramente bene.
Ultima domanda, di rito: cosa ci aspettiamo dal futuro di Sea of Days?
Amo scrivere canzoni, è la parte del processo musicale che preferisco, e ormai ho abbastanza dimestichezza per capire cosa funzioni meglio per il mio progetto. Al momento ho circa otto brani completamente finiti, ma anche tante altre idee ancora da sviluppare. Come dicevo prima, il suono non si allontanerà troppo da quello attuale, ma vorrei che la musica diventasse un po’ più essenziale, più rarefatta, prendendosi più tempo prima di esplodere e crescere.
Interview with Shane Speed (Sea of Days): “Living near the sea changed my songs”.
While British critics wonder about the saturation of a new shoegaze wave, the solo project Sea of Days emerges from Brighton, helmed by British multi-instrumentalist and songwriter Shane Speed. Speed’s project was officially born in 2022, following a severe heart diagnosis that temporarily distanced him from music. From that moment, a unique musical journey began, blending songwriting with the ethereal textures of shoegaze, heavily influenced by the nineties scene. He himself describes his music on Bandcamp as something that “fuses the emotional weight of The National with music that has echoes of The Cure, Post Rock and Shoegaze. The songs acknowledge darkness but are always hopeful”.
Two years after the EPs dedicated to the four elements of nature, and one year after Wound, Sea of Days returns with Traces, the new album released via Shore Dive Records. The record is a profound elaboration of past traumas, illness, and grief, yet without slipping into self-pity, shaping up instead as an ideal therapeutic journey that guides the listener toward a finale open to rebirth. We had a chat with Shane Speed to explore the genesis of this latest chapter, deeply influenced by the rhythms and tides of the Brighton coast. By the way, we highly recommend checking out his entire discography, which you can find here, or simply via the Spotify previews while scrolling through the interview.
Cover art of “Traces” (2026) by Sea of Days
Let’s start with the city where you write, Brighton. Many artists see it as a place of escape, almost a “border town.” For you, how much does the English coastline influence your choice of such wide, oceanic sounds, and how much of Brighton is in the DNA of this record?
I’m originally from the Midlands of England, an industrial area far away from the sea. Because of that, the sea always felt like something magical: a place to escape to, to spend family holidays, a happy place. Later in life, when I had the chance to reset my life, I immediately knew I wanted to live by the sea. I had never been to Brighton before, but it felt like the right place to begin again after the end of a relationship.
When my daughter has dance lessons, I often have to wait for her, and since it’s close to the beach I end up spending time just sitting by the sea and watching it. That’s where a lot of ideas come from: fragments of melodies or lyrics that quickly record on my phone to work on later. Everything slows down and the mind clears, almost like meditation. Because I’m here all year round, I’ve become very attuned to the rhythms and shifts of nature. That deeply informs my writing, and I think my songs would sound very different if I lived somewhere else.
Your latest album, Traces, addresses the theme of death without being labeled as a “sad” album. It feels significantly more cynical and aware compared to your previous work, Wound. What creative urgency sparked this rawer vision of reality?
Wound dealt with some issues that came from being diagnosed with a heart condition and having a successful operation to correct an irregular heartbeat.
Two factors influenced the shift toward a slightly darker record in Traces: firstly, I feel that Wound gave me confidence as a songwriter to explore even darker themes that I hadn’t been felt ready to tackle before. Secondly, I developed pneumonia and later ended up with a pulmonary embolism (blood clots in the lungs). This left me often short of breath and dizzy, and my heart had to work much harder.
As a result, I felt a strong sense of urgency to finisg these songs as quickly as possible. They became shorter, more direct, and in some cases a little heavier musically.Once the instrumental part was completed, I had to wait until I was well enough to record vocals, as singing became difficult due to my lung condition. In a way, it became an album driven by the need to finish it in case my health deteriorated further.
Your sound is very recognizable by now: the guitars are saturated with reverb and one can clearly hear the influence of Slowdive and Neil Halstead. How do you balance that 90s shoegaze nostalgia with the urgency of telling such a modern and personal story? Listening to your tracks, one often gets the sense of an underlying melancholy that nevertheless opens up to light. There’s a feeling that hope exists; you never dwell on self-pity
Firstly, thanks for mentioning Slowdive. My main influences definitely come from the 90’s shoegaze scene, so I’d also include Ride, Kitchens of Distinction, and my personal favourites, Cocteau Twins. All of them have shaped the guitar and bass sounds I use as Sea Of Days.I’ve never tried to sound like any of these bands. Those reverb-drenched guitar textures just feel the most natural way for me to combine often dark lyrical themes with a sense of lightness and beauty. Recently, people have told me they can hear the influences, but that there is definitely a clear Sea Of Days sound developing, which is a huge compliment.
Strangely, I’m a very positive person , yet when I read back my lyrics there’s often a noticeable darkness in their themes and content. In a way, songwriting is my therapy – a way of dealing with inner darkness and personal demons . At the same time, as you say, I’m always aware of the need to leave space for hope. I always try to include that sense of hope either within the lyrics of a dark song, or through the structure of an album as a whole, creating a narrative arc that ultimately moves toward light. With Traces, I deliberately ended with two optimistic tracks: Sunrise and Pride.
Speaking of your influences, would you be open to exploring new directions and sounds in the future, moving away from classic shoegaze?
Good question – it’s something I’ve thought about a lot. I’ve been listening to a lot of great songwriters lately, like Wilco and The Go-Betweens, and it’s really reinforced for me how important the quality of a song is. The way I write means that my songs can also work in a stripped-back acoustic form, so that’s definitely something I could explore further. I’ve already reworked a couple of tracks in a more minimal version for a Bandcamp-only release, and I was really happy with how they sounded.
I don’t think the overall sound will change dramatically from what it is now. However, because Traces has a slightly rockoer edge in places, I’d like the next album to feel more dreamlike – to take its time a bit more, with longer and more ambient intros, like on Wound Poem and City Shroud.
In the opening track, Blackouts, you describe memory as something biologically dangerous. Is this a necessary form of self-defense to survive the present, or do you truly believe that a “selective oblivion” of the past is required to move forward?
This song is about a period of my life before I moved to Brighton. My marriage had failed and I was drinking extreme amounts of alcohol. The ‘Blackouts’ were real experiences – I would wake up in unfamiliar places with no memory of what I had done or how I had gotten there. The crash mentioned in the song was also real, a car accident, but it also marked a moment of realisation that things needed to change.
I stopped drinking, but I also tried to compartmentalise that period of my life, almost pushing it out of consciousness. For a while that worked, but of course these events never truly disappear, and ‘traces’ of these repressed events can resurface at any time. Writing the song was a way of confronting the past- of being honest with myself and acknowledging things I had buried for so long.
The album tackles profound themes: from the cold detachment of hospital routines in Theatre to the natural horror of a crow feeding on a rat in Rat and Crow. Is this the subtext of the album—questioning what is truly “natural,” even in death? There seems to be a deep connection with nature, feeling part of a single organism, which could be seen as a form of medicine. I’m thinking of the murmuration of starlings in Darken the Skies, which seems to respond to the urban loneliness mentioned in Wound, and also your four EPs dedicated to the elements
Nature is what shapes my beliefs. I’m not religious in a traditional sense, but do believe that all things are connected. The cycles of nature have a huge impact on every living being, including humans, and I definitely feel part of something larger when I look at the vastness of the sky or the ocean.
At the same time, I’m very aware that there is a necessary darkness within the natural world, and that’s what Rat and Crow is about – the idea that death is part of an endless natural cycle. Darken The Skies is an interesting one because I’ve always been quite adraid of birds, but witnsessing the beauty of starling murmurations and how fluidly they move together actually helped me overcome that fear. Theatre comes directly from my experiences in a hospital ward for patients with heart conditions. Some made it, some didn’t, and that really makes you aware of the fragility of life and the importance of following your dreams while you still can.
Regarding the album cover: lines converge toward a falling figure, which creates a sharp contrast with the more colorful, “ascensional” aesthetic of Wound, where it felt like looking up at the sky. Could you tell us about the artwork and what you wanted to communicate through it?
I had seen a painting of ascending birds by an artist friend of mine, Rachel Benjamin, and immediately asked if I could use it for the Wound cover, as it felt like a perfect visual representation of the positivity I wanted to convey with that album. When it came to Traces, I again wanted Rachel to be involved in the artwork, but this time I stepped back and gave her full creative freedom. In response to the album demos, she came up with this imagery, which I felt was perfect. The falling figure is surrounded by ‘monsters’ that represent the traces of the past resurfacing – so I really can’t take any credit for the artwork at all!
At one point you quote Rumi: “the wound is the place where the light enters you.” In Underfoot, you talk about your grandfather’s suicide as a generational debt. Did writing this, and the other lyrics on the album, help you extinguish some of that pain?
For me, the key to the lyric writing is honesty. I experience emotions like love, loss and pain and they naturally find their way into the songs. Although they are very personal, I’ve been surprised by how many listeners have told me they relate to them in their own lives.
Interestingly, I find it much easier to write lyrics about darker subjects, and I struggle more with writing love songs. In a way, that’s where the therapeutic aspect comes in – it’s about exorcising demons through music. A song like Underfoot was extremely difficult to write because of how personal it is, and in many ways it took me a lifetime to feel ready to confront it.
The presence of Maud Anyways on Pride (confirming a collaboration that started on the previous record) seems to reinforce the idea of healing not happening in solitude. By flipping the concept of pride into self-love, was it necessary to “forgive yourself” in order to truly close this musical journey?
Collaboration is an interesting thing. In many ways I think I’m quite a control freak, which is why I tend to do almost everything myself on the records, apart from the additional vocals by Maud. Maud seems to fully understand the vision and always knows exactly what to do to enhance a track, and for that I’m forever grateful.
Pride was very much about finding self-love, but for me that was only possible through the love of my family and the way they supported me. So in many ways I think the person I am now has only been made possible through the love of others and the freedom they gave me to follow my musical path. I’ve also been thinking a lot about involing other female vocalists in the next record, as I think the combination of male and female voices on tracks like Wound and Pride works so well.
What direction will Sea of Days take from here? Are you already working on new material?
I love writing songs – it’s my favourite part of the whole musical process – and at this point I feel very confident in understanding what works for Sea Of Days. Right now I have around eight fully completed songs, with both music and lyrics, as well as a few other ideas still developing.I think these will not be too far away from the current sound, but I want the music to become a little more sparse and patient, giving the songs more time to build and unfold naturally.
